2008，二月

chenyoung

Betty Carter

在演唱爵士音乐的女歌手里，Betty Carter称得上是优秀的一位。 她原名Lillie Mae Jones，生于密西根州的Flint，在底特律长大。

Betty Carter在底特律音乐学院就读时主修钢琴，她一边在念书，一边还在酒馆里演唱，常常有机会和Charlie Parker，Miles Davis以及Dizzy Gillespie等一些着名的爵士音乐家同台演出。 1948年，Betty Carter才十几岁，她参加Lionel Hampton乐队临时试唱会，由于表现出色，因而获得机会加入了这个乐队。

到50和60年代，Betty Carter的演唱工作已经相当繁忙，她经常和一流的音乐家搭档演出爵士音乐和布鲁斯，还和Muddy Waters，Ray Charles一起灌录了叫好又叫座的二重唱专辑唱片。这个时候的Betty Carter，已经是着名的纽约市阿波罗剧院的头号歌手。 Betty Carter的舞台风格非常吸引人，演唱时，她的表情非常生动，而且有相当明显的肢体语言；此外，Betty Carter和其它歌手最不相同的地方是：她擅长即兴演唱，而且能够和乐器的即兴演奏同时进行，相互辉映。

80和90年代，Betty Carter的演唱主要是和大型乐团合作，不过她最喜欢由钢琴、低音提琴和鼓组成的三重奏为她伴奏。 Betty Carter是1988年葛莱美奖「最佳爵士歌手」得主。克林顿总统曾经在三、四年前，邀请Betty Carter到白宫去表演。

以出版爵士音乐唱片而着名的Verve唱片公司，在纽约卡内基听举行庆祝成立50周年的音乐会上，Betty Carter也是挂头牌的演出人员。 这些都可以看出Betty Carter在乐坛上的份量。 除了音乐之外，Betty Carter还是一位很有经营理念的人。她组成了自己的唱片公司Bet-Car（公司名字是她的名字Betty Carter的缩写），她亲自掌管公司的财务、生产和管理。Betty Carter做事总是一丝不苟，因此认识她的人，都认为她是一个完美主义者。

Betty Carter在唱歌之外，也很花心思教导年轻人欣赏爵士音乐。他经常到大学去巡回演讲和表演。特别值得一提的是，Betty Carter不断给予年轻爵士乐手磨练的机会。在她拥有的为她伴奏的乐队中，聘请的都是年轻的新手，这些人在Betty Carter的乐队里累积了足够的经验以后，就离团另外自行发展。Betty Carter对这个现象一点也不介意，她曾说，当年她自己在Lionel Hampton乐队里当演唱员时，就是把那个乐队当作自己学习和累积经验的场所，并没有打算在那里待一辈子。

这位资深的爵士女歌手Betty Carter在歌唱上一直获得人们的好评。着名的男歌手Tony Bennett曾经说过「Betty Carter是美国最了不起的歌手之一，她幸运地得到一副自然的爵士歌喉」。

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Dinah Washington

Dinah Washingtong被乐迷们尊称为“蓝调之后”，多元而卓越的音乐性，使她能蓝调、爵士与流行等不同的曲风完美的结合在一起，而且表达的率直而自然，就象她的本质一样。从福音歌曲中启蒙，又从蓝调音乐中得到成长，最后以爵士音乐在乐坛享有至尊荣誉，即使无数的畅销专辑已足以肯定她在音乐上的崇高地位，但她始终忠于自己最真的音乐本质。

Dinah Washingtongg本名RUTH LEE JONES，1924年8月24日生于阿拉巴马州的杜斯拉拉路沙。小时候移往芝加哥定局，15岁在芝加哥帝王剧院所举办的业余歌唱比赛中得奖之后，便开始在夜间俱乐部中演唱。1942年她的歌声被着名经纪人JOE CLASER发掘，安排她以Dinah Washingtong这个艺名与LIONEL HAMPTON大乐团一起演出，与乐团合作期间，她灌录了个人首张专辑，首张成名曲“EVIL GAL BLUES”便收录其中。1946年她离开乐团，开展个人的独唱事业，并以“I WANT TO BE LOVED”以及其它多首在当时被认为荒诞不经的蓝调歌曲建立个人在节奏蓝调的巨星地位。而她强烈直接的情感诉求与驾御式的舞台表现，使她的歌声不论是透过现场或录音，都同样给人强烈的印象。她说：“我喜欢找出每一个音符内在的含义，使每一个听众都能通过我的歌声听出点什幺来，更何况没有什幺歌是我不能唱的，什幺都难不倒我。”1946年，她与MERCURY唱片公司签下专属合同，开创了个人演唱事业的高峰，也为MERCURY公司留下无数的经典佳作。

她的代表作有“JAIL HOUSE BLUES”、“POSTMAN BLUES”；1949年的“BABY GET LOST”；“I DO NOT HURT ANYMORE”；1955年的“WILLOW WEEP FOR ME”；1956年的“I'LL CLOSE MY EYES”；1959年的“WHAT A DIFFERENCE A DAY MAKES”这首曲子更疯狂的征服无数白人听众的心，专辑唱片并获得了当年50大唱片之一。

Dinah Washingtong以独特的天赋拓展个人对不同音乐领域的表现，并与多位爵士大师象MAX ROACH、EDDIE DAVIS、CLIFFORD BROWN等人合作演出，由于她不可言喻的强烈音乐性，清晰的唱腔咬字以及完美的乐句表达，使她成为当代女爵士歌手中最具原创性与前瞻性的艺人之一。Dinah Washingtong的艺术成就不但在当代具有开创性的地位，并深深影响了后进无数女性歌手，象NANCY WILSON、ETTA JONES、ESTHER PHILLIPS等人都深受她个人风格所影响。即使在她死后近30年，她的唱片仍旧不断透过电台的播放而传送不断。

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Louis Armstrong

Louis Armstrong，是这八十多位传奇巨星中资格最老的爵士音乐大师。早在1920年，19岁的Louis Armstrong就已经开始他的演奏生涯了。如何评价他在爵士音乐中的重要性都不为过，相当于古典音乐的巴赫、摇滚音乐的猫王，是音乐史中最有影响的音乐家之一。“What A Wonderful World”是他最为着名的作品，被无数后来的音乐家翻唱过。

Louis Armstrong的小号，可能是全世界最快乐的小号﹔Louis Armstrong的歌声，可能是世界上豁达的歌声，而他沙哑的演唱如同他的小喇叭吹奏一般令人怀念。在摇滚乐盛行的年代，他也有过一首榜首歌曲。 Louis Armstrong的歌声，可以说是每个人一开始就会情不自禁喜欢上的。唱歌时，他的一口白牙不时透露愉快欣喜的信息；而当他吹起宏亮的小喇叭时，却又呈现另一股魅力。那种狂放愉悦的从容即兴、那种粗糙沙砾般的卖弄，用一种魔力牵引着你，他的歌声中总是充满着热情、乐观，那种从心底里喜欢演奏和歌唱无法不让人产生共鸣，感染你身上每一个细胞。就像那首“On The Sunny Side Of The Street”（在布满阳光的街道边）还有“Blueberry Hill”（越橘山）的歌名，都充满自然阳光的气息。

早期的爵士乐录音大多是现场的演奏版本，现场的演出是完全不虚假的一种即兴创作，完全没有机会更改。Louis Armstrong便是这样一位经得起考验的好乐手。独家的小喇叭音色不仅无人能比，他那厚实的吞吐声更是一家独门密技。过去曾有人怀疑Louis的小喇叭里暗藏玄机，甚至以为那是一把特制的小喇叭，以便发出不同的声音。于是，在一次特别的机会里，Louis当众把小喇叭交由另一位心有疑虑的小喇叭手吹奏。当然，Louis再拿回来吹奏时，声音和前者已经大相径庭。 Louis Armstrong本身的即兴表演能力完全源自自然的天性，这和Be Bop强调高超的技巧与卓越的即兴独奏本质上相差很远，因此他的守旧风格最初与Be Bop乐手也是格格不入的。后来由于合作机会的增加，彼此产生了更多新的即兴经验。从“What A Wonderful World”到“Summertime”等名曲的演唱或吹奏，Louis Armstrong永远是爵士乐的代名词。 从1901年出生于新奥尔良到1971年心脏衰竭逝世为止的七十年岁月里，这位爵士巨人也是摇滚先驱者为后人留下了无数伟大的作品。

Louis Armstrong出身于贫民区，很小他父亲就拋弃家庭，不知所终，但困窘的生活并不影响少年阿姆斯特朗对音乐的追求，他在社会最底层长大，还曾经进过少年感化院，所幸他在感化院学会了吹短号，开始接触音乐，没几年的时间，18岁的阿姆斯特朗，已经是新奥尔良地区知名的演奏者了，成为当时最红的Kid Roy乐团的短号手。1922年，加入Joe King Oliver乐团，在前辈的指导调教之下，阿姆斯特朗进步神速，逐渐建立起他作为一位伟大独奏者的地位。 当时新奥尔良乐手虽然也有即兴演奏的作法，但是大多篇幅不长，音乐上自由开阔的程度也还很不明显，是Louis Armstrong以热烈狂野，如泉涌出的即兴号音，彻底改造了爵士乐。

阿姆斯特朗也是爵士乐能推广到世界各地的最大功臣，他应美国政府的邀请巡回世界演奏，所到之处无不轰动，对美国文化和爵士乐的形象提升贡献极大，二次大战刚结束那段时间，世界各地许多人就是在听到他演奏之后，接受了爵士乐。 到了20世纪30年代之后，阿姆斯特朗音乐生涯中演唱的比重渐增，“Hello Dolly”、“What a Wonderful World”等等经典名曲脍炙人口，让他成为世界知名的艺人，影响力超越了音乐范畴，笑口常开的形象，为他赢得一个“书包嘴”的外号，他的声音吵哑，并不是什幺天生金嗓子，但是他赋予歌唱与演奏同等的情感，完全摆脱了传统上演唱者附属的角色定位，使歌手成为音乐艺术家，受他影响的歌手包括Frank Sinatra、Ella Fitzgerald、Pink Crosby甚至猫王，简直不计其数。 相对于Louis Armstrong的小号，很多人更喜欢他的歌声，因为Louis Armstrong的声线非常粗糙，和他的小号的圆润嘹亮完全相反。在他的声音中，有一个无限宽大的世界，不论是谁，做错了甚幺，在这世界中，一切都不必再计较。

这就像一个死去的灵魂，从天堂上俯瞰人间，看见他的朋友，看见他珍惜而又放下了的一切。想想在那年代吃尽苦头的黑人，再想想Louis Armstrong幼年的生活，想想他的歌声......没有受过伤的人，谈不上宽恕，没有历过风霜的人，没资格说世界是美好的。

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Jim Hall

第一次听到Jim Hall演奏的人，往往都会被他的即兴所吸引。他抒情诗调般的乐句别具一格，甚至句与句之间的间歇也是那样恰到好处。Hall的伴奏弹奏常常是轻描淡写的，但当你仔细聆听的时候，会发现他弹奏和弦与他的单音演奏一样出色。Hall伴奏时发音的密度很稀疏，绝对不会扰乱独奏者的注意力，甚至还会以一些和声或节奏上的小变化来驱策着独奏者的发挥。"即兴独奏是需要倾听的，伴奏同样也是。"Hall说，"当你伴奏时，你要注意听独奏者的演奏，然后在你自己的弹奏中作出反应。"

美国爵士吉他大师JIM HALL于1930年出生在美国，十几岁的时候就成为职业乐手，在俄亥俄州克里夫兰开始了演出。25岁的时候，JIM进入克里夫兰市立音乐学院，学习吉他演奏及音乐理论，后来还跑到洛杉矶拜着名古典吉他演奏家VINCENT GOMEZ为师，潜心学习古典吉他。就在学习古典吉他的同时，他还好整以暇，加入过CHICO HAMILTON的五重奏。

1956年到1959年间，JIM HALL与萨克斯手JIMMY GIUFFRE、低音提琴手RALPH PENA合作组成了JIMMY GIUFFRE TRIO。这个经历对此后的JIM HALL有着很大的影响，从此他就特别偏好以DUET或者TRIO的简洁编成来演出，在乐曲的编配上，他力求简约凝炼，同时又发挥自己完美的即兴技巧。在JIMMY GIUFFRE TRIO解散之后，JIM HALL先后与各爵士乐派的众多大师们合作，如萨克斯手BEN WEBSTER、PAUL DESMOND、SONNY ROLLINS和钢琴家BILL EVANS、DAVE BRUBECK以及吉他手LEE RITENOUR，不过后来曾经因为酗酒而暂别乐坛。

不久以后，JIM HALL先是在一个电台节目中演出，待到身体完全康复之后才又正式复出乐坛，并灌录了一些相当棒的唱片，特别是分别与钢琴大师BILL EVANS以及低音提琴大师RON CARTER合作演录的二重奏唱片，创意新巧，意识精妙，广受好评。在某个意义上，他甚至被人视为一代大师DJANGO REINHARDT的隔世传人。

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Gerry Mulligan

Gerry Mulligan是爵士乐历史上最着名，同时也是最伟大上低音萨克斯管演奏家，他是一位爵士乐巨人。他以中音萨克斯管的速度和灵活田为他原本显得笨拙，粗鲁的管乐器注入了活力。他为上低音萨克斯管的演奏带来了革命性的轻快的声音。

在学习单簧管和多种萨克斯管之前，Gerry Mulligan最早学习的乐器是钢琴，他最初的荣誉则是因他编曲方面的成就而获得的。1944年，他曾经为约翰尼·华灵顿的广播乐队写曲子，没有多久他的作品就进入了扬米·塔克尔和乔治·帕克斯顿等几支着名乐队的曲目目录。1946年，他搬到纽约居住，成为了着名的鼓手指挥家基尼·克鲁帕管弦乐队的一员，在乐队中他担任编曲工作。1948年，穆里根加入克劳迪·索思希尔的乐队时是演奏中音萨克斯管。

Gerry Mulligan演奏使他成名的上低音萨克斯管是在迈尔斯戴维斯最为着名的九人乐队“冷爵土乐的诞生”中。这是他首次录音，但是他的演奏只是获得了人们的承认而已。1949年，穆里根花费大部分时间为爱略特·劳伦斯的管弦乐队写曲子，并在萨克斯部演奏。当时他只是合奏的成员，名字还未列入演出名单之中。

直到1951年，他的上低音萨克斯管演奏才引起了人们的注意。从这个时期，他开始在全国的巡回演出，这是爵士乐队独特的方式。穆里根像许多同时代的音乐家一样到洛杉矶巡回演出，那里逐渐成为了爵士乐新的中心。在西海岸穆里根感受到新的音乐的气息，那里的环境激发了他的灵感。他为着名的乐队指挥斯坦·肯顿写了一些改编的曲子，而他自己则专心投入到钟爱的乐器的演奏中。他同小号手查特·贝克合作举办了即兴演奏会，很决他们神奇的默契配合就赢得了乐迷的心。以他为首的无钢琴伴奏的四重奏成为了乐队主要的特色，这个组合在1952年迅速走红，并将穆里根和贝克捧成了大明星。

同当时的许多爵士音乐家一样，春风得意的穆里根也遇到了吸毒问题的困扰。一次突然的毒品搜查使穆见根不得不暂时退出了乐坛，警方依法适捕了藏有毒品的穆里根。他的离去使乐队解体，乐队的辉煌嘎然而止。在1954年，穆里根从监狱中释放出来时，时过境迁，人们已经忘记了曾经辉煌过的他，他只得一切从头开始。乐队重新在乐坛上获得了一席之地，尤其是里根精彩的萨克斯管演奏成为了冷爵士时代的一个标志。1958年是穆里根最为成功的—年，在冷爵上乐流行的五十年代，穆里根当之无愧地成为了爵士乐界的代表人物。

1960年到1964年之间，穆义根领导了他的“音乐厅爵士乐团”，这为他提供了新的机会。在功成名就之后他专门写作乐曲，当时演奏上低音萨克斯管，偶尔客串一下钢琴手，他努力保持着自已在爵士乐坛的地位。乐队解散之后，穆里根不再像从前那样活跃了。他仍然坚持参与了风靡一时的Dave Brubeck的四重奏巡演，在七十年代，他在业余时间也参加大乐队的演出。在九十年代，他及其着名的“无名四重奏” 在全球演绎Miles Davis的经典而着称于世。

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Stan Kenton

Stan Kenton是一位横跨古典、流行、爵士乐的音乐大师，他是大乐团的领队也是一位出色的作曲家。也由于他跨越许多领域，因此他也是一位争议不断的音乐家，像是一些摇摆乐与bop的纯粹主义者便很不认同他。

在他的大乐团里，经常有先进的旋律以及强烈的情绪在音乐中，这和正统的大乐队的风格，如与Count Basie的大乐团有很大的不同。不过，无论如何，与Stan Kenton合作过的乐手之中，有非常多位是明星乐手。像是Shorty Rogers、Gerry Mulligan、Johnny Richards、Lee Konitz、Zoot Sims、Charlie Mariano、Mel Lewis、Lucky Thompson、Pepper Adams等人。 Stan Kenton最初在30年代的Vido Musso与Gus Arnheim的乐队中演奏钢琴。

1940年在加州组织自己的第一个乐队，乐队的名称叫Artistry in Rhythm，这名称也是他所做的曲子名称。他的钢琴演奏风格受到Earl Hines的影响很大。在他最初所带领的乐团之中，并没有明星级的乐手，主要的功能就是提供舞会伴奏。

1941年的夏季，乐团在加州的Balboa Beach这个地方的Rendezvous Ballroom俱乐部演出很受欢迎。 1943年的后期，乐团与Capitol唱片公司签约，他们的演出表现也得到更广泛的认同，Stan Kenton与Capitol唱片公司合作有25年的时间（1943-68）。同时，在二次世界大战期间有出色的团员，像是Art Pepper、Stan Getz、Boots Mussulli以及女歌手Anita O'Day。

在1945时，乐团有很大的转变，这是由于编曲家Pete Rugolo的加入，协助他延伸乐团的演出创意。也就在此时，所谓的"Progressive Jazz, "前进爵士乐，也就由他们带领出来。差不多到了1947年时，很多乐团难以经营而结束，而Stan Kenton依然拥有许多明星乐手，像是伸缩号手Kai Winding。

更关键的因素是，Stan Kenton懂得变化，将拉丁音乐带入乐团中便是一个重要的转变。1949年，他停顿休息了一年，在1950年在组大乐团，这次的编组有39人的规模，其中有16位是弦乐组的编制。这样庞大的乐团是很难经营的，而另一个高峰期是在1960-63年之间的乐团，这个期间的乐团名称是mellophonium。

在此之后，Stan Kenton经营的理念不在那样强调明星乐手，而是将重心乐团的创意，于是他运用更多的新手，让这些年轻的乐手接受刺激与挑战，而这些年轻的乐手也都很清楚自己的角色，用心的演出，并非只是看做初试身手的过渡期。 Stan Kenton的另一个人生挑战则是放在音乐教育之上。当然他依然热衷于演奏，直到1979年过世都不曾间断。

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Art Pepper

在一九四零年代之后爵士乐界的中音萨克斯风（Alto Saxophone）手，可以说是完全笼罩在查理帕克（Charlie Parker）的阴影之下，甚至有人因此而改换乐器以找寻出路，在那样一个要与巨大身形的天才竞争的时代里，能够找寻自己的声音而在乐坛争口饭吃是难上加难，特别是要在咆勃（Bebop）界与这种音乐的发明天一较长短更是难若登天，于是，不少乐手转投他处，李．康尼兹（Lee Konitz），保罗．戴斯蒙（Paul Desmond）以及亚特．派伯（Art Pepper）都在那个险恶的环境里，透过较帕克温和的吹奏，争得了自己的一席之地。

亚特．派伯（Art Pepper），出生于一九二五年，刚出道时参加了西岸史坦．肯顿（Stan Kenton）的乐团担任独奏乐手，随后由于遇到美国参与二次世界大战，派伯从军两年（1944-1946）。退役之后，他重回史坦．肯顿的乐团，在这段时间里，他确立了自己的演奏风格以及自己的声音，成为一位着名的乐手。

一九五零年代的派伯俨然一方之霸，也不乏乐迷以及演奏方式的跟随者，他领导自己的小乐团，或者与其它乐团合作，留下的录音例如《演奏现代爵士经典（Plays Modern Jazz Classics）》和《遇到节奏组（Meets the Rhythm Section）》都已确定是经典级的作品。一九六零年代，派伯的音乐有了明显的转折，变为较激烈，增加了约翰．柯川（John Coltrane）式的即兴乐句，有人认为是派伯因为毒品使用数度入狱所造成的影响。这对他长期的跟随者以及合作伙伴来说，无疑是一大挑战，但在摆脱长期进出牢狱的生活后没多久，一九六八年，派伯又因为健康问题而被迫退出乐坛，结束了他的前半段乐手生涯。

一九七五年，派伯重回乐坛，除了成功地重拾昔日自己的声音之外，演奏的能力愈发成熟，除了中音萨克斯风（Alto Saxophone）之外，他有时也试着演奏单簧管（Clarinet），演奏风格则与前期酷派的表现不同，有更多激烈的乐句与即兴表现，也更成熟丰富，获得了较高的评价。关于派伯的音乐生涯分段点，有人以六八年之前及七五年之后来分，也有人以他的入狱为分水岭，分成早期西岸风格的派伯以及后期受到柯川影响的派伯，无论怎幺分，派伯的演奏方式，的确有前后期两种不同的风格。我想这样的认识对于选择派伯的唱片是有帮助的。

一九七七年，派伯刚刚重回乐坛，试着要往东岸前进。对东岸的听众来说，派伯是一位住在唱片里的人物，大部分人都只能透过唱片的重现，聆听这位早在一九五一年就被重拍杂志（Down Beat）杂志拿来与传奇怪兽查理帕克相提并论的西岸音乐家，要在东岸现场演出，对刚刚重回乐坛的派伯来说，是一件令人紧张的事，特别，是要到颇负盛名的前卫村酒吧（Village Vanguard）。

前卫村（Village Vanguard）称得上是一个爵士乐界的传奇圣地。前卫村的场地并不大，而且由于演出的卡司通常是很猛的，所以客满是常有的事，通常，你得经历一场战斗才能进到里面看场表演，Peter Keepnews曾如此形容前卫村：「如果在前卫村里，碰巧你身边的人都抽着不同品牌的香烟，你根本无法呼吸。」但是这个恶劣环境的地方，却留下了太多神奇的记录，比尔．伊文（Bill Evans）在此地留下了两张不朽的唱片；约翰．柯川在此地展现了新音乐的样貌，桑尼．罗林（Sonny Rollins）短暂的停留也使后人对那两张三重奏作品深怀敬意。

别说太过久远的事，就在派伯要到前卫村的前一阵子，Dexter Gordon才刚在同一个地方举行他的回家演奏会，也就在约略一年前，与他同期的Jonny Griffin也才刚在前卫村赢得满堂彩；更早一阵子，James Moody也在此举行了他的第一场纽约演出。不说别的，这三位都是咆勃（Bop）以及精纯咆勃（Hardbop）的高手，在纽约自可如鱼得水，但是派伯一般被认为是西岸的乐手（即使西岸根本很难当成一种精确的指涉），要在纽约的爵士圣地演出，并且一定会被拿来与这几年刚刚来过的乐手拿来比较一番，自然，会有更大的压力。

一九七七年六月，派伯首度进入前卫村，对这次的演出他自己曾表示：「我惧怕那些听众，无论我自己搞得怎幺好，这种恐惧一直持续着。」，也就在这种紧张与恐惧之下，加上阵中的钢琴手是一位西岸底子的人，在演出中与其它人呈现了明显的不协调，派伯只得努力的展现自己，以维护自己长年的声望－－好歹，自己是一位出道了二三十年的乐手－－并想挣得重回乐坛更肯定的响应。只是，这次的前卫村之行，听众、评论界以及他自己，没有人满意，最后以悲剧收场。

好在，一个月之后，派伯有了平反的机会。当代唱片公司（Contemporary Records）的创立者Lester Koenig在七月二十八日到三十日三天，为他找来了钢琴手乔治盖伯斯（George Cables），低音大提琴（Bass）手乔治马拉兹（George Mraz）以及鼓手艾文琼斯（Elvin Jones），再次挑战前卫村。以当时来说，这三个人都是乐坛的重量级人物。盖伯斯被派伯称为是大师（Master）；马拉兹则是出身欧陆，于六八年才到美国打天下的新兴乐手，对于各色音乐都相当敏感；琼斯就更不用多说，可以长期与柯川合作的人，不是像柯川一样的圣人，至少也是怪兽。

在这几天的演奏里，由于乐手们水准整齐，派伯终于是为自己洗刷了恶名，周四夜的〈Valse Triste〉一曲中的持续相当长时间的即兴吹奏，在〈Goodbye〉，〈Blues for Les〉，〈My Friend John〉以及〈Blues for Heard〉各曲中，也都可以听到乐手们精彩的交错对话以及派伯热情的即兴。周五夜你可以听到精彩万分的〈Caravan〉；〈But Beautiful〉则呈现了与黛女士吟唱完全不同的风貌；诠译咆勃的作品〈A Night In Tunisia〉更展现了派伯优异而成熟的演奏功力。周六夜是三天演出的最后一天，录音于七月三十日，你可以听到优异的〈You Go to My Head〉和〈The Trip〉，超过十六分钟的〈Cherokee〉，更是高潮不断。这三天下来的现场演奏，乐手们互相交错，精准完美，足以说服东岸的听众，亚特派伯是一位货真价实的狠角色。

派伯勇敢地再度进入前卫村，与这三位好手合作，敏感的Lester Koenig也知道，这样的合作精彩可期，将三天的录音都完整地收录了下来，分别被出版成《亚特派伯周四夜于前卫村（Thursday Night at the Village Vanguard）》，《亚特派伯周五夜于前卫村（Friday Night at the Village Vanguard）》以及《亚特派伯周六夜于前卫村（Saturday at the Village Vanguard）》三张单张专辑，另外还有一张前卫村系列第四辑：《More for Les: At the Village Vanguard, Vol.4》（注），除此之外，也出版了多张CD的亚特派伯的《前卫村全集（The Complete Village Vanguard Sessions）》。

从咆勃乐风、到西岸酷派、再到自由爵士，一路走来亚特．派博的音乐自然深情，完全契合他个人的特质，他让萨克斯风完全融入个人心情，感性、抒情又带着一点点多愁善感。终其一生，亚特．派博备受药瘾之苦，因此演奏生涯断断续续难给乐迷完整风貌，所幸他的吹奏音色出众、独树一帜，才能在每次重新出发都获得乐迷支持。

不过，就他音乐艺术上的表现来说，亚特．派博绝对不能称为新时代的开创者，因为在他的音乐中并没有太多的革新创意，更没有引起太多追随者的服膺；但他绝对称得上是一位令人难忘的个性化演奏家，只因为亚特．派博用萨克斯风讴歌生命，用最真诚的感情将最心理底层的欲望呈现出来，他的萨克斯风声音令人一听难忘。

amychen83

听歌才是正经事:

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Bud Shank

Shank的风格比较接近像是Jackie McLean或是Phil Woods，感觉上是比较敏锐与愉悦的。 1944-46年之间就读于北卡罗来纳大学。最初他尝试许多种管乐器，有长笛、竖笛与萨克斯风（80年代之后便只专注在萨克斯风上）。

40年代开始他专注于中音萨克斯风与长笛，大学毕业后他来到加州，他向Shorty Rogers（小号手与作曲家）学习，然后在萨克斯风手Charlie Barnet的大乐团中演奏 （1947-48年），在Stan Kenton的乐团中演奏（1950-51年）。之后他在美国的西岸爵士有很出色的表现，与他合作的阵容有贝斯手Howard Rumsey的Lighthouse All-Stars乐团、萨克斯风手Bob Cooper、巴西风格的吉他手Laurindo Almeida。

70年代Shank组织乐团L.A. Four，阵容有钢琴手Almeida、Ray Brown以及不同时期的鼓手Chuck Flores、Shelly Manne、Jeff Hamilton。乐团L.A. Four 的演出是她音乐生涯的重要时期。

至今，Bud Shank的演出生涯已经有五十年的时间了，最初从大乐团开始演奏的生涯，后来也自组四人组的 Quartet （Quartet 是指四人组合的乐团），Bud Shank在美国的西岸爵士也是标竿性的人物。

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Sarah Vaughan

Sarah Vaughan（1924-1990）是最早深谙Bebop技巧的歌手，同时又因她拥有四个八度的宽广音域，可供任意挥洒的绝色歌喉，她也几乎是突破乐器表达极限的唯一歌手，所有这些天赋与才华，使她只要开口即是天赖，然而她最可贵的地方恰恰是从不故意炫耀，因而她演绎过的Autumn in New York, Lover Man至今仍是无法超越的经典。

萨拉善待她的嗓子犹如精心地在照看一件乐器，不可否认，萨拉的演唱曾是爵士乐女歌手争相学习的一个标准；或许更加不可否认的是，萨拉是爵士乐史里最有心计的一个女歌手。她自从刚踏入爵士圈时就没有轻易露出自己所有的资本，她老练的先从女低音唱起，灵活的把复杂的节奏一块块切碎再丢入一条旋律的溪流，仿佛一支午夜单簧管在独奏。她小心翼翼地从自己的音阶间找到下一个迈脚的方向，一首歌的气也就随之调整了倾向。萨拉的声音有时男性十足，有时尾音又突然变成了比莉-赫莉戴，甚至会戏剧性过渡为一段歌剧的高潮。萨拉的智慧保护她把自己的嗓子一直用了40年。

1985年，她以61岁的年纪录制了一张十分青春的专辑《行星始终健在，没错，它还活着！》，而歌词竟改自教皇的诗歌。萨拉的艺术生涯无论是开始还是结束都是极为自然的。

萨拉·沃恩原名Sarah Lois Vaughan。1924年3月27日出生于新泽西州的Newark。父亲是木匠，母亲是洗衣工，谈不上是音乐家庭。不过她从小和音乐就有着频繁的接触，学过将近10年的钢琴，参加过教堂的唱诗班，12岁就成为教堂的风琴手。她天赋的歌喉，于1942年令她获得哈莱姆－阿波罗剧院组织的业余赛事奖，从而也获得了从事音乐事业的机会。不久，她又被Earl Hines大乐队中的歌手Billy Eckstine所发现，1943年便成为Hines乐队中的女歌手兼第2钢琴手。一年后Eckstine组织了自己的乐队，他对沃恩的印象，足以令她成为他乐队中的成员。在这支乐队中，她结识了现代爵士的开拓者Charlie Parker及Dizzy Gillespie。1945年和Eckstine这支当时充分表现出现代风格的乐队在一起录音时，令她初步解了当时的新音乐。她后来的特点，就是这段时间形成的。

离开Eckstine的乐队后，她和John Kirby乐队相处了一小段时间，然后她决定要以自己本人的名义演出。1947年她和在Café Society相识的小号手George Treadwell结婚。这位丈夫意识到他老婆巨大的潜能，便当了她的经纪人，开始了10年丰富的录音工作，并还进行了世界性的巡演。
　　
1950年她开始和Miles Davis一起录音，然后为Mercury唱片公司制作了一系列流行风格的专辑，还为Mercury的分公司EmArcy公司制作了较为爵士化的唱片。在EmArcy公司录音的过程中，她和Clifford Brown，Cannonball Adderley以及有Count Bassie乐队的成员们一起，制作了一些她最为满意的作品。
　　
到了60年代，沃恩已成为一颗亮星，她对爵士乐的活动略有减少，主要从事商业性，有大乐队伴奏的录音。但到了70年代，她多多少少又和爵士界的艺人们在一起表演，进行录音。1974年她参加了费特雷爵士联欢节，1978年和Oscar Peterson，Joe Pass，Ray Brown，Louis Bellson组成的爵士四重奏一起录了一版专辑。次年，她自己又录制了一张演唱Duke Ellington作品的专辑。这版专辑有多位顶尖爵士艺人参予，如Zoot Sims，Frank Foster，Frank Wess，J. J. Johnson，Pass等。1980年，她出现在一场曾大力宣传的卡内基音乐会上，又曾回到阿波罗剧场和Eckstine一起表演。这次表演NBC电视进行了录制并播出。1987年，她录制了一版拉丁乐曲专辑，其中的曲目还出现在有电视传播的Sass And Brass音乐会上。在这个音乐会中，节奏部份有Herbie Hancock，Ron Carter，Billy Higgins等人，小号手有Dizzy Gillespie，Don Cherry，Maynard Ferguson，Chuck Mangione等人。能和这些大师同台演出，说明那时她仍是一位人们认可的音乐人。遗憾的是在1990年4月，她终于死于肺癌。
　　
萨拉·沃恩1945年赢得Esquire（老爷）新星奖，还赢得了1947－1952的Down Beat奖，1948－1952的Metronome奖。早在1965年，她就在白宫表演过。她的名字前后有20年是和演唱爵士歌曲紧密相联的。她天生音域宽阔，声调完美。她懂得用精巧的音质控制，来加强诠译歌曲的效果。能将柔软温和的乐句，和刺耳、带鼻音的颤音，或沙哑的咆哮声并列使用。她在和Eckstine乐队合作时所获得的bebop知识，足以令她将流行曲调转为她本人特有的演唱曲型，是她同时代艺人中处理和声方面的佼佼者。她的录音，在以后的多年中，不断影响一些歌手。在影响、音域、和光辉形像方面，除了Ella Fitzgerald外无人能及。

Sarah Vaughan的歌唱技艺雷同於任何一把乐器的声音，亦因如此，只有她才可以将一些流行小品昇华为爵士Standard级的「演奏曲目」。"Scat"吟唱对於Sarah而言只不过是一个忘词的障眼法，而是她与生俱来将歌曲情绪带至高峰的技巧。Vaughan先后加入咆勃爵士前期的Earl Hines及Billy Eckstine大乐团，由於她对流行曲的出色演绎，次年即以个人身份出现在舞台上。1945年，Sarah与Charlie Parker及Dizzy Gillespie两位咆勃爵士巨星合作的作品"Lover man"马上成为咆勃爵士音乐的必听曲目，就Parker而言，Sarah在演绎此曲的时候，管乐发展空间亦受到威胁，自此之后Sarah的星?#092;一直平步青云的发展，而其中最大的原因是她善於在爵士乐与流行乐中间舍轻就重，作平行发展。1971年，经过五年的休养，Sarah再次踏入录音室，除了积极表演爵士Standard曲目之外（受到名製作人Norman Granz鼓励的Songbooks系列），乐迷亦开始发觉Sarah的唱功已经到达另外一个成熟的阶段。与巨星及人物Duke Ellington、Oscar Peterson、Count Basie的合作及后其作巴西乐曲的演绎，都进一步肯定了其歌唱的实力。1990年Sarah不幸逝世，爵士乐界从此失去了最光辉的All Time Favorite级唱将。

chenyoung

原帖由 amychen83 于 2008-2-28 21:04 发表
听歌才是正经事:

chenyoung

Chet Baker

听Chet Baker的音乐要把灯光调低，要有一瓶威士忌陪伴身边，要戴上耳筒；唱片在沙沙走动，你会听见他说，Let"s Get Lost。让我们一起迷失，迷失在幽幽的小喇叭声中，迷失在一个心碎浪漫主义者的浅吟低叹之中。
　　
Chet Baker，一个俊朗迷人的美男子，一个爵士乐历史上的早熟天才。在Bruce Weber为他拍摄的传记电影《让我们一起迷失》中，我们可以看到他的一生。他最早从军队中学到音乐常识，退伍后在Be-bop鼻祖Charlie Parker的乐团中作过短暂的停留，23岁时，和低音色士风手Mulligan一起录下Cool Jazz着名的演奏《我可笑的情人》(My Funny Valentine)，凭此曲一炮而红。这首老曲子在Chet Baker发挥之下重新焕发了生命，它简单而含蓄，几乎是不动声色地，但却深深渗入你的听觉之中。成名后的Chet Baker组成四人爵士乐团走遍美国各地；六十年代后，又只身前往欧洲，把Cool Jazz的精髓加入更多的欧洲和声，令爵士乐在欧洲获得更大的推广。Chet Baker就象是一颗燃烧着的流星，散发着令人不可思议的能量，带着一种致命的速度向神秘不可知的地方冲去。1988年5月13日，有人在阿姆斯特丹发现他堕楼身亡，一代爵士大师就这样撒手尘寰。
　　
电影《让我们一起迷失》在Chet Baker死前三个星期拍完，Chet Baker曾说拍摄过程给他带来了一段难忘的欢乐时光，但他还未来得及看到这部电影就悄然而别了。1990年，这部电影获得奥斯卡金像奖最佳纪录短片提名。
　　
Chet Baker是一个自我主义者。他沉湎在自己的生命与音乐之中，对周遭世界置若罔闻。他的演奏和歌唱都是以自我为中心，就象是一个内敛式的磁场，听者只能被他的音乐吸进去，而他从不迁就听者。他的小喇叭就象一个街头失意的醉汉，在感觉的世界中到处游走，不时迸发出一些即兴的火花，幽暗低回，带着一种令人落泪的宿命感。就象那个失落的年代一样，Chet Baker的音乐迷失在岁月的隧道里，但至今我们仍听得见他醉人的回声。
　
冷爵士又称西海岸爵士,它形成于40年代末50年代初,此种曲风结合了”波普”爵士和”摇摆乐”中某些被忽略的音乐元素.这种音乐的旋律委婉柔和,编曲严谨声部规整.虽然冷爵士不具备煽情特质,但它却有着广泛的群众基础。
　　
Chet Baker是一个天才演奏家。他虽然未写过一首乐曲，但他的创意却完全流露在他对乐器的驾御和对音乐的演绎中。他的演奏常常能为一首乐曲注入灵性，令它出现全新面貌，为听者带来前所未有的感染力。
专辑简介由网友提供。

Chet Baker是一位出色的冷爵士小号演奏家,同时也是一位优秀的爵士歌手,他用极具魅力的表达方式掩饰了他天生嗓音条件的不足.Baker英俊的外形酷似一名电影明星,然而他却在50年代中期染上了吸毒,从此毒瘾一直伴随着他的后半生。

Chet Baker自幼学习音乐,1952年他退伍在西海岸曾与Charlie Parker有过接触,随后他便加入了”Gerry Mulligan四重奏”小组,这支小组很快便在爵士乐坛建立了自己的声望.当Mulligan因携带毒品被捕后,Baker与钢琴演奏家Russ Free一起创建了自己的四重奏小组.1955年,Baker在欧洲各国进行了巡演活动,他也因此在小号演奏和演唱两个方面引起了乐迷的广泛关注,正在Baker事业处于急速上升阶段,他却于1960年被关进了意大利监狱,为了强行戒毒,Baker被敲下了所有的牙齿,这样一来他也只能暂时告别乐坛。
　　
70年代,Baker悄悄重返乐坛,他在这段期间过着类似游牧式的生活,他频繁往返于欧洲各国,.Baker始终无法摆脱毒瘾,虽然在此期间他小号演奏技艺不断提高并且录制了大量的专辑,但论其艺术价值却毫无建树。
　　
1988年5月13日,Chet Baker在阿姆斯特丹坠楼身亡,他的突然去世令爵士乐坛震惊和惋惜,曾有人声称:Chet Baker本可以成为像Charlie Parker那样伟大的演奏家,但毒品把他引向了另一方。

1990年奥斯卡金像奖纪录短片提名名单当中，赫然出现一部以一位JAZZ乐小喇叭手一生坎坷的纪实，这部名为“Let’s Get Lost”的短片，正是Chet Baker本人的部分写照。他和早期乐手一样沉醉在音乐和酒的世界，并且在成名后只身前往欧洲，追求自己的音乐艺术，他曾被誉为“伟大的白人希望”（G reat White Hope），但多年的药瘾使他生活极不正常。幽暗的小喇叭声与低吟回荡的嗓音，就像那个失落的年代，不知经过了多少年仍旧叫人怀念。

Chet Baker是位小喇叭手，更是不可多得的歌手。他从军中习得音乐常识，退伍后在Charlie Parker的乐团中短暂停留。1952年和低音萨克斯风手Mulligan在一起，录下了Cool Jazz着名的演奏“My Funny Valentine”。这首老曲调在他们的演绎下重新拾回创作活力，含蓄又单纯的气质，使Chet Baker立刻一炮而红。他的名字几乎被人们像崇拜小喇叭大师Bix Beiderbecke一样的称呼着，这也是才23岁就成名的Chet Baker的最大致命伤。成名后，Chet Baker自组四重奏乐团走遍美国各地。他的独奏部分深受同时期Miles Davis的影响，以单调不乏味，简洁却不无聊的音调，让人在聆赏时不知觉地忘掉所有的紧张情绪。虽然也有人认为这种强调气氛和感觉的演奏方式，有过分自以为是与不理会听众反应的造作，但是从另一个角度来看，它却又具备了J AZZ乐献身创作的直觉动机，因此孰是孰非就见仁见智了。六十年代以后，一直到1988年5月13日Chet Baker去世为止，他个人把演奏中心移往欧洲，并且把Cool Jazz的精髓加入更多的欧洲和声，使大部分欧洲人更热爱JAZZ乐。由于Chet Baker后半生都只在美国做短暂停留，除了录音和表演，他的动向一直是个迷。一般人的猜测，Chet不予理会，他只管自己的音乐创作。此外，他歌声中轻飘的气质，和低沉的嗓音，几乎让所有的女性不由自主地陶醉其中，其男性的魅力可见一斑。如果一定要对Chet Baker挑剔，只能说他本人几乎未曾写过一首曲子。但是当他演奏那些令人永难忘记的音乐时，即使是别人的作品却又成为他个人的新创作。C het Baker在即兴演奏时把自己的理念转换成音符，就像所有的乐手一样，他在演出时就完成了创作，不管他是唱出来或轻声地奏出曲调都是最美的艺术。

chenyoung

John Coltrane

五六十年代出现了一位这样的杰出人物：John Coltrane（1926-1967）。无论作为萨克斯演奏家、作曲家和乐队领导者，他对六十至八十年代的爵士乐都产生深远的影响。他引入爵士的即兴演奏观念为钢琴手、小号手、吉他手以及萨克斯手所学习吸收。

五十年代初期，Coltrane还不为公众所知，但他在1955年与Miles Davis的合作录音中已经形成了自己十分强力的演奏风格，到他1967年去世为止其风格还在不断开拓发展过程中。Coltrane的音色粗砺、尖锐、巨大而厚重。许多萨克斯手演奏时在高音区会音色变薄、低音区时又会不清晰和不够敏捷。而Coltrane的音色在任何音区始终都是饱满和有穿透力的。此外，他的演奏充满紧迫感，音乐听上去也十分严肃，几乎就没有一丝的幽默。纵观其音乐生涯，他的唱片显示了一种一贯的力量和灵感，即使在大师中间也是很少见的。与Charlie Parker并称，Coltrane是最具一贯性和演奏激烈的那类爵士独奏者。

五十年代中期以后，John Coltrane与Sonny Rollins成为纽约最抢手的硬波普风格次中音萨克斯演奏家。1957年他出现在21张重要的唱片录音中，与Thelonious Monk一起进行了短暂而富有有成果的合作。同年他回到费城，戒掉了吸食海洛因的毒瘾，开始拓展其个人风格（John Coltrane后来提到《A Love Supreme》这张专辑就是指一种精神上的觉醒），而且组建其经典的四重奏演奏形式。在一家名为the Red Rooster的俱乐部，他发掘了钢琴手Mccoy Tyner和贝司手Jimmy Garrison。

在为Prestige公司录制了几张专辑以后，Coltrane转签Atlantic唱片公司。1959年，他录下了《Giant Step》专辑，这是张非常受欢迎的经典之作，不过它提出了一个问题：硬波普再往前该如何发展？Coltrane知道答案，在完成与Miles Davis的第二轮合作以后，他组建了由Mccoy Tyner、Jimmy Garrison、Elvin Jones和自己组成的最着名的四重奏。从此爵士乐揭开新的一幕。

六十年代的社会问题意味着Coltrane音乐上的革新被看作是黑人反抗的先声而大受欢迎，大量地录制和推向市场。1961年，Coltrane从Atlantic公司转到Impulse公司，推出了一系列令人惊愕的作品，其中包括大多数Coltrane里程碑式的专辑，还有部分六十年代中期Coltrane实验性的作品。在1961年至1967年之间，Coltrane制作的专辑成为现代爵士的奠基之作。出于商业方面的考虑，Impulse公司对Coltrane的作品总是推迟出版，看过他现场演出的乐迷们对其音乐上的发展变化之大十分震惊。Coltrane在《A love Supreme》专辑中的演奏与现场相比要催眠和平静好多，然而还能称得上是经典。

之后，Coltrane的作品变得越来越野性。由于对新领域的无休止的追逐探索，导致乐队的解散。Rashied Ali代替了Elvin Jones，Alice Coltrane取代了Mccoy Tyner，Coltrane对新的萨克斯手尤为感兴趣，在专辑《Ascension》中，他给予Archie Shepp、Pharoah Sanders、Marion Brown和John Tchicai许多演奏空间。Eric Dolphy的演奏风格与Coltrane有很大不同，但他在六十年代早期却频繁作为Coltrane四重奏的一位客座乐手，并和Coltrane于1961年一块巡演。1967的《Interstellar Space》双重奏专辑，Coltrane的次中音萨克斯与Rashied Ali的鼓激烈鏖战，为后人发展提供了一个十分诱人的新暗示。

1967年Coltrane的去世使得先锋爵士失去了一位精神上的父亲。七十年代Fusion爵士商业性的成功使得他的光芒有些黯淡，八十年代传统爵士的复兴又使得Coltrane硬波普时期的作品大受关注。尽管Coltrane一再强调年轻的萨克斯手们不要学他，但是他死后其风格反而成了一种主流。从Michael Brecker的伯克利学校音乐风格到欧洲的Jan Garbarek，甚至像Andy Sheppard这样的新秀要建立起自己的观众群都找不到其他更好的演奏方式。不过，Coltrane的音乐确实有很大的听众群，尤其在年轻的摇滚乐迷中也十分受欢迎。毫无疑问，Coltrane确实是一位真正的爵士乐使者，他的音乐来自于其内心深处，很少有爵士乐音乐家能达到那样登峰造极的境界，拥有其超凡脱俗的乐器演奏技巧。

明朝

原帖由 chenyoung 于 2008-2-28 20:17 发表
Blue Note


1939年由Alfred Lion创立于美国，以录制爵士乐著称（也出一些布鲁斯）。在该公司发展史上，有两个不容忽视的人。他们是1953年加入的录音师Rudy Van Gelder与1956年加入的封面设计师Reid Miles。 ...

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smicsmic

我要这天，再遮不住我眼，我要这地，再埋不了我心，要这众生，都明白我意，要那诸佛，都烟消云散！

chenyoung

chenyoung

Miles Davis

若说爵士乐坛最传奇的小号手是迈尔戴维斯(Miles Davis)，应该没有人会举手反对。六、七十年代，迈尔戴维斯几乎就是爵士乐坛的标竿人物，他的音乐只要一问世，就成为乐手崇拜追随的对象，形成一种爵士风潮。

1945年的Miles Davis正值十九岁的青春年华阶段，他与一般人一样在学校读书(JULIA SCHOOL茱莉亚音乐院)，但他与一般人不同之处，就在于此时的他已经与爵士乐Be Bop大师Charlie Parker同台，录下这张专辑的第一首歌「Now''''''''s The Time」，这首曲子的珍贵程度可见一般，除了一方面是Miles Davis的初放爵士光芒之作，另一方面则是这时正是音乐禁令的限制刚过，所有的爵士乐手就像出了笼子的老虎，极尽所能的发挥。而专辑的最后一首歌「Portia」是Miles Davis在60岁时所灌录的(1986)，这时的他虽然已经到了一个音乐演奏家的残年阶段，但似乎不甘愿就此放弃他的音乐生涯，仍致力于Harmon-Muted(用于小号上面的弱音器)的音色发展，将传统的乐器加上了电子合成乐器。

“我喜欢新鲜的东西，始终抱着每天学习的心情。对于那些走不出自己框框的乐手，我深深感到悲哀。”这就是迈尔戴维斯，一位永远追求新音乐，走在时代前端的爵士巨星。他的音乐尽管多变，他的性格始终神秘，但是对爵士乐执着的心，以及不断颠覆自我的理念，却是数年来坚持如一，这样一位爵士乐大师，相信再过七十年之后，受到乐迷怀念的程度一样会如同今日深厚，不会有丝毫减损。

chenyoung

原帖由 明朝 于 2008-2-28 21:11 发表



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chenyoung

Billie Holiday

Billie Holiday这位爵士乐金嗓子一直是某种艺术层次升华的象征。她的歌声散发一种自然的妩媚，以及令人感官兴奋的原动特质，有时侯甚至可以凌驾其他乐器所不能达到的理想境界。事实上，她的嗓音正是器乐追求吹唱性演绎的最终目标- ---旋律感性，诠释不拘泥。

Billie Holiday早年的境遇和蓝调歌后Bessie Smith极为接近。两人刚开始的酬劳可说是如同被奴役一般的可怜，稍有知名度以后却又饱受肤色困扰，尤以歌唱中途被蓄意嘲弄最常见。B illie Holiday小时候以Bessie Smith和Louis Armstrong两人的唱片当老师，她不仅习得蓝调苦尽甘来的凄沧音色，连Louis Armstrong的饱满号音也被运用在她的演唱当中。往后，加上许多生活历炼，Billie的诠释毫无疑问地就是经典的范例。

以三十年代末期为例，这时正值Billie的黄金岁月，一首接着一首的经典歌曲经由她口中娓娓道出。“Strange Fruit”，“Travelin Light”和“Carelessly”等旋律，似乎就是当年的流行金曲。除此之外，许多被忽略的好作品，只要经她一唱，歌曲立即泛出金银般的光彩而倍受瞩目。名作词家兼歌手J ohnny Mercer在听过她的演唱后，曾赞不绝口地说：“当她轻声唱着，仿佛引人伸出一种爱怜的援手.......”，因此Johnny的许多歌曲如“Com e Rain Or Come Shine”，“One For My Baby”和“Travelin Light”等，也都先后成为流传至今的旷世杰作。

根据Billie Holiday本人表示，她不仅视人声和乐器具有同质的表现美感，甚至也在两者之间找出折衷的即兴风采。如此的融会贯通后，任何一首平庸之作也可以升华为高傲完美的艺术精品。另一件极为特别的事，就是B illie和萨克斯风手Lester Young的特殊关系。在音乐理念上，Lester的拖曳慢调音色间接影响了Billie在处理歌曲时的细腻情感。尤其两人合作时的互补作用，几乎填满了音符的空隙，使得乐曲听起来不致于那么松散。五十年代起，摇滚和流行乐逐渐取代爵士乐成为主流音乐，许多歌星也纷纷改弦易辙，唯有B illie Holiday不受潮流波及而改变。当您倾心听着优美的歌声，还留恋着前一首歌的温柔时，乐声再起由她徐徐注入的深情，又立即唤醒聆听者不该有的倦怠。

chenyoung

John Lee Hooker

最伟大的蓝调艺术家，电声布鲁斯的创始人John Lee Hooker，1917年8月22日出生于密西西比州的Vance市，靠近Clarksdale——Delta“议会大厦”的所在地。Charle Patton和Blind Blake,以及一些在Delta比较有名气的人物都是他家的常客。最早影响Hooker弹奏的人是他的继父Will More，还有Tommy McClennan。1932，当他还只有十几岁的时候就去了孟菲斯（Memphis）。 几年后，他又漂到了辛辛纳提（Cincinnati），并在那里开始了公众演出。1943年，他又往北移，不是到芝加哥而是底特律，因为他听说在那儿的大汽车工厂里挣钱比较容易。可是，在摩托城的生活只是意味着白天拿着扫帚打扫卫生，晚上才拿着那把扩音了的Stella吉他到Hasting大街的各路口去弹奏深情的布鲁斯。

他继续闯荡着。1948年，Elmer Barbee，一个小唱片店的店主，也是一个天生的星探，在听过Hooker的弹奏后，就在唱片店的后院里随便给他录了几段。Elmer Barbee成了Hooker的经纪人，他带着这些Demo找到了Sensation唱片公司的Bernie Besman，Bernie也非常喜欢Hooker的音乐，就在录音棚里给Hooker安排了一段录音。Bernie Besman敏感地意识到了事态发展的潜力，他把Hooker录的这张碟卖给了珞杉玑Modern唱片公司的Bihari兄弟。接下来发生的事情具有历史意义,“Boogie Chillen”（专辑《Sallie Mae》背面的一首歌）在1949年早期升到了R&B排行榜的第一位，据说这张专辑卖出了一百万张拷贝。

由于走到了时代传统的对面，Hooker极度自然并具有回归性的布鲁斯被证明是迁到北方的南方人最想听的音乐。接下来的几年里，Hooker以不同的名字出版了几十张专辑，他用过的名字有Texas Slam、Delta John、Bermingham Sam、John Lee Booker，或者the Boogie Man。仅仅是因为签ê贤??榉常??３＞筒磺┖贤??ooker的伴奏者有Andrew Dunham、Eddie Kirkland，还有竖琴手Eddie Burns，他常常与他们一起合作，通过仿照一首经典的曲子能快速有效地创作出一首完全不同的音乐或者Solo。

直到五十年代早期，John Lee Hooker与一些小型爵士乐团几乎已在每个地方为每个唱片公司都录制过专辑。最后，他到了Vee-Jay唱片公司，在那里,他得到了Jimmy Reed和吉他手Eddie Taylor的鼎力支持。虽然Hooker以前也偶尔进行电声演出，但是在Vee-Jay的这些年里，公司却将他放到了商业化的环境中，并取得了一定程度的成功。同时，他通过录制一些非常“文雅”的木吉他专辑，在民谣领域里也获得了一些关注，而且这些专辑丝毫没有掩饰他的深度与灵魂。“Boom Boom”、“Big Legs,Tight Skirt”，以及其他一些歌曲，使他成为了英国一些摇滚乐队（如Animals）崇拜的对象。60年代中期的John Lee Hooker是唱片业的热门人物。在Chess唱片公司制作的专辑《The Real Folk Blues》使他的盛名一直保持到60年代晚期，直到1970年他与Canned Heat合作成功推出的专辑。