利空落地，股市翻红！！只是银行股稍微拖累一点了！！！
:*19*:。。。。。。。。 。。。。。。。。。。。。
回复 #446 chenyoung 的帖子
不见鬼子不挂弦～ :) :) ................. ......................... .............. 原帖由 chenyoung 于 2007-12-9 21:05 发表 http://bbs.macd.cn/static/image/common/back.gif危机并未来临
□王春
从基本层面而言，美国次级债问题似乎如滚雪球一般越来越严重；中国企业盈利增长减速似乎越来越令人担忧。而市场整体过高的估值水平则从2000点一直争论到6000点，似乎 ...
:*22*: :*22*: :*22*: .................... ................... 原帖由 j75 于 2007-12-10 10:51 发表 http://bbs.macd.cn/static/image/common/back.gif
597放了点量了，感觉不错
放量就过。。。。。。。 。。。。。。。。。。。。。。 原帖由 chenyoung 于 2007-12-5 12:18 发表 http://bbs.macd.cn/static/image/common/back.gif
放点量就出去了
。。。。。。。。。。。。。。。。。。。 。。。。。。。。。。。。。。。。。 原帖由 俯瞰地狱 于 2007-12-10 09:28 发表 http://bbs.macd.cn/static/image/common/back.gif
000792
很牛！。。。。。。。。 原帖由 仰望天堂 于 2007-12-9 22:12 发表 http://bbs.macd.cn/static/image/common/back.gif
避其锋芒，让空军喧嚣两天。:loveliness:
现在每逢遇到调整和股市大跌我都会特别的亢奋，因为这时候就可以像秃鹫一样俯瞰满地的尸体寻找食物。
彼得林奇说过，要想在股市中超越别人，就得有胆量为 ...
:*19*: 。。。。。。。。。。。。。 原帖由 随风1216 于 2007-12-9 20:15 发表 http://bbs.macd.cn/static/image/common/back.gif
等等2186也不错:)
三、Jazz时代
就像许多其它艺术形式的起源一样，爵士乐的起源与发展也是历经十九世纪数十年的蕴育与成长，才在二十世纪初逐渐演化为较成熟的音乐形式，以及更广为接受和普遍流行的姿态，并走上以新奥尔良为中心的音乐舞台，最后成为了美国文化的象征。
1、Jazz的分类
(1) New Orleans Jazz（新奥尔良爵士乐）
发生在第一次世界大战前后的新奥尔良传统爵士乐，其组成元素就如同美国是一个民族与文化的大熔炉那样复杂：即以赞美诗、江湖卖唱表演……与碎乐句（RagTime）等音乐元素，以对位法与散拍乐的切分乐为主体性音乐创作为动力元素，结合大量独奏、即兴装饰性演奏与改写旋律的核心要件所展现出来的音乐体系。早期的新奥尔良传统爵士乐队以小型团体为主，其演奏主旋律的乐器有：小号、单簧管、萨克斯管和长号；伴奏乐器则有：土巴号（Tuba）、班卓琴、贝斯（常以拨奏为主）、小提琴、钢琴和鼓。它们经常多声部同时进行对位吹奏，以制造出一种热闹、有劲的气氛与乐风。早期新奥尔良传统爵士乐的代表性人物与乐团有: 金•奥利佛（King Oliver）领导的Creole Jazz Band（克里奥尔人乐团）、杰利•罗•莫顿（Jelly Roll Morton）领导的Red Hot Peppers（红辣椒）乐团、路易斯•阿姆斯特朗（Louis Armstrong）领导的The Hot Five（热力五人）乐团等也是新奥尔良传统爵士乐的早期代表性人物和乐队。
(2) Dixieland（迪克西兰爵士乐）
迪克西兰爵士乐是1917年到1923年在新奥尔良和芝加哥等地的爵士乐手发展出来的早期爵士乐风格，它在30年代后期曾被一些拥护者重新找出来复兴了一阵子。简单的说，迪克西兰爵士乐是新奥尔良传统爵士乐的一个分支，“Dixieland”的英文原意是军队露营地－“Dixieland”。这个词第一次出现在1859年Dan Emmett先生的“殖民地歌曲与舞蹈”歌曲集中。因此，我们可以得知：迪克西兰爵士乐与进行曲、江湖艺人（Minstrels）等音乐有关，其中第一首知名乐曲是1860年出版的《Pocahontas》。到了1910年代，演奏这种风格的爵士乐队已经被演化为小型团体，作品题材大半来自蓝调、进行曲与当时的流行歌曲，甚至某一首乐曲的某一片断（Rags）都可以被拿来加以延伸、发展，这就是最初的即兴演奏。迪克西兰士乐的主旋律一般都由小号、单簧管和长号担任，而伴奏乐器是以钢琴、吉他、班卓琴、土巴号、贝斯和鼓为主。
有的爵士乐历史学者将那个时代白人乐手演奏的爵士乐特别称为“迪克西兰爵士乐”，而黑人演奏的则称之为“新奥尔良传统爵士乐”。其实，要细分这两种爵士乐风格，在技术上与实质上都有困难也没有必要，因为这两种风格指的都是同一类型曲风，差别只是因“人”而异。
(3) Kansas City Jazz（堪萨斯爵士乐）
堪萨斯爵士乐又称为“西南方爵士乐”，顾名思义，它主要是在美国西南各州成长与发展，例如：密苏里州、堪萨斯和圣路易斯。它在20年代和30年代盛行，与乡村蓝调、管弦乐队编制的RagTime有着密切关连。堪萨斯爵士乐一般以8或者12小节蓝调为基础，强调萨克斯管的重要性，避免复杂编曲而宁愿较简单的主编曲，靠记忆去排练爵士乐曲目，使用即兴叠句演奏法（Riff）吹奏一段乐句，更是成为堪萨斯爵士乐的标志。吹奏这种类型爵士乐的代表性乐团有：班尼•摩登（Benny Moten）、康特•贝西（Count Basie）、李斯特•杨（Lester Young)、克劳徳•威廉斯（Claude Williams）和杰•麦克宣（Jay McShann）等人所领导的管弦乐队。30年代中期，堪萨斯爵士乐被融入主流的摇摆乐（Swing）中，成为了爵士乐的一部分。
(4) Chicago Jazz（芝加哥爵士乐）
1917年颁布的《禁酒令法》使得大量的乐师来到芝加哥，造就了芝加哥爵士乐的空前繁荣，很快芝加哥成为了新的音乐中心。芝加哥爵士乐是20年代初在芝加哥的地下酒吧里发展出来的早期爵士乐，虽然后来它的构成主要是来自新奥尔良的传统爵士乐，但是很快便增加了不同的东西，比如萨克斯的出现使Jazz的音色更丰富，而以吉他取代了班卓琴，音乐又变得更紧凑、更激烈。
另外，芝加哥爵士乐也经常被泛指为白人小型乐队演奏的爵士乐，如知名的奥斯汀高中帮（Austin High Gang）乐队。此外，这个时期的白人小号手毕斯•拜徳贝克（Bix Beiderbecke）和吉他手艾迪•康顿（Eddie Condon）等人具有代表性。值得一提的，毕斯•拜徳贝克（Bix Beiderbecke）的冷静的演奏风格日后为Cool Jazz的诞生产生了重要影响。
(5) Big Band（大乐团）
大萧条（1929-1933）的到来彻底击碎了过去的浮华美梦，不幸也降临在这些音乐人身上，随着娱乐场所纷纷倒闭，大批的乐师相继失业。人们再也没有心情去听以前那些无忧无虑、活力四射的Jazz了。但是生活中不能没有音乐，绝望中的人们或许更需要音乐的安抚和慰籍。于是“疗伤歌曲”应运而生。一切仿佛都在这场风暴中被催毁，而只有纽约似乎是个例外。在纽约的舞厅里仍然活跃着大型舞蹈乐队，失业的乐师纷纷来到纽约寻找发展机会。于是30年代中期，当可怕的大萧条成为过去的时候，Jazz迎来了史上第一个黄金时代——“大乐队”时代。
大乐团时代大约起源于20年代中后期，以艾灵顿公爵（Duke Ellington）与班尼•古德曼（Benny Goodman）为主的爵士乐风格，其它知名的大乐团还有：贝西伯爵（Count Basie）、吉尔•艾文斯等人所领导的团体。大乐团不只兴盛在30年代中期及摇摆乐时期，40年代中期的咆哮乐迪兹•吉利斯比（Dizzy Gillespie）、50年代的酷派爵士乐吉尔•艾文斯（Gil Evans）、60年代的自由爵士乐桑•若（Sun Ra）、70年代爵士摇滚及融合音乐唐•伊尔斯（Don Ellis）、梅纳•佛格森（Maynard Ferguson）、及至80年代的克劳斯•柯尼（Klaus Konig）后现代咆哮乐都可找到它的踪迹。可以说，大乐团是爵士乐中永恒的象微。
大乐团的编制一般在10人以上，它所涵盖的乐器为：3支以上的小号、2支以上的长号、4支以上的萨克斯管（以上乐器亦可分为数部，如果编制够大的话；另有的乐团会增加单簧管为主旋律声部，如班尼•古德曼乐团）；伴奏或节奏乐器则有：钢琴、吉他、贝斯、鼓和其它弦乐器。
由于大乐团的形成与发展与1935-1946极盛一时的摇摆乐（Swing）在时间上有某种程度的重叠，致使许多乐评家与乐迷常将两者混为一谈，这实为一时不察的疏忽。简单的说，大乐团是一个乐队编制上的组织，透过这个大型的组合，它可以吹任何爵士乐风格的编曲曲目。当然，摇摆乐只是其中一种可能（或许，有人会说大乐团吹奏摇摆乐让人听来较具摇摆感，但事实证明，一些后来的小型乐团（Combo）也可以摇摆的很好，如：班尼•古德曼的六重奏）；另一个差异是，摇摆有效为严谨的节奏和较多的即兴独奏，早期的大乐团独奏乐手则受限较多，也较没摇摆感。另有一些学者将大乐团为分“Swing Bands”或“Hot Bands”……等等，其实只是为了要区分这些乐队所代表的细节上的差别而已，并无特殊意义，因为它们同时指向一个主题：大乐团爵士乐。
(6) Swing（摇摆乐）
摇摆乐最早起源于1930年前后，但普及却是1935-1946年间，一个标志性事件就是1935年有“摇摆乐之王”之称的班尼•古德曼（Banny Goodman）六重奏乐队在在国家广播电台（NBC）参加的一档节目，即著名的“让我们跳舞”（Let's Dance），持续了整整26周的节目通过电波传遍了美国，从而拉开了Swing时代的序幕。另一个促进Swing迅速发展的事件就是二次世界大战。太平洋战争的爆发打破了美国的“孤立主义”政策，歌舞升平的平和景象不复存在。美国的参战使大乐团（Big Band）这种音乐形式陷入了非常时期，不少Jazz乐师应征入征，导致乐队的人数常常处于不固定的状态。然而即便如此，新兴的Jazz演奏家依然不断涌现，甚至演奏水平比战前更高。在这样一种情况下，Swing成为了共众狂热的音乐焦点，也成为在海外作战的美军的最好的精神粮食，甚至连“敌国”也开设专门电台播放这种音乐，比如“东京玫瑰”，纳粹还把Swing乐队办到了集中营，以麻痹将被送入毒气室的犹太人。Swing的空前繁荣让从事Jazz相关工作的人们感到无比兴奋和激动，而对于战争，不知他们是该憎恨还是该感激？
Swing的主要特色就是在宏大的管弦乐的伴奏下以强劲的舞蹈节拍取代了新奥良爵士的即兴色彩。30年代，爵士大乐在美国各主要都市的夜总会与舞厅等娱乐场所甚受欢迎，大量的年轻乐迷、舞者被吸引到这些地方消费与寻欢，需要更多的适合跳舞台（四拍）改编自流行歌曲的爵士乐及摇摆乐可满足蜂拥而至的年轻人与中产阶级乐迷。因此，说摇摆乐是起源于商业上的需要，而带有娱乐色彩的爵士乐，一点也为过。摇摆乐后来随着艾灵顿公爵大乐团的脚步演变成为歌舞表演的伴奏队（这有点像是舞蹈乐队）和“演奏会”乐队如艾灵顿公爵自40年中期以后，每年定期在卡内基音乐厅表演。摇摆乐因适合于跳舞，每小节有四拍，因此，有些学者又将它称为“四拍爵士乐”。
1930-1935年在摇摆乐尚未定型时，有这类型倾向的爵士乐队逐渐在节奏乐器使用上有了重要变化：土巴号被漫步弹奏的贝斯（double bass）取代，班卓琴被节奏吉他取代；和声节奏部份进行的比新奥尔良传统爵士乐轻快活泼，有时每小节四拍被细分成双2拍；独奏手被要求和期望有更多自主性地即兴独奏旋律以便能够超越变化多端的节奏。这期间重要的爵士艺人有：弗莱切•亨德森（Fletcher Henderson）、柯尔曼•霍金斯（Coleman Hawkins）、班尼•古德曼（Banny Goodman）、强尼•贺吉斯（Johnny Hodges）和李斯特•杨（Lester Young）、格林•米勒（Glenn Miller）；且将先前不被重视的乐器提升至可以和小号、单簧管与萨克斯管等主施律乐器相同地位。
40年代中后期，摇摆乐逐渐势微，但它的节奏中的一些重要元素被使用于50年代出现的节奏蓝调与摇滚乐。摇摆乐虽然失去辉煌的岁月，但一直到90年代的今天，它所余留的节奏放松感摇摆感都还常被它的忠实信徒继续奉行着。
(7) R&B（节奏布鲁斯）
“节奏布鲁斯”（R&B）最开始是指除Jazz和Blues以外的所有黑人音乐。Jazz和Blues之间的差别远没有现在的大。最早的R&B艺术家就是来自“大乐队”（Big-Band）和“摇摆爵士”（Swing-Jazz）领域。在“二战”前，爵士乐远比今日风行，那时它是一种为跳舞而演奏的音乐，但是在乐队中通常会有歌手。“二战”后期，许多重要的爵士乐艺术家开始发展Be-Bop和Cool Jazz，这种跳舞元素更少的爵士乐。然而受二次大战时经济、军事等因素的影响和约束，美国立法禁止出版发行唱片，于是“大乐团”纷纷减少。但听众们，尤其是那些在大城市中迅速增加的非裔美国社区的听众，他们仍然希望听到可以跳舞的音乐。于是音乐家们为了适应听众，就做出音量更大、使用更多的电声乐器，并且以“回复”（Riff）为主的发出类似“布吉-伍吉”（Boogie-Woogie）声音的音乐，这一种Jazz与Blues混合的产物就是早期节奏布鲁斯（R&B）的音乐形式。R&B不仅仅是在Blues和摇滚乐之间的一种重要的过渡音乐，它还是Blues和灵魂乐（Soul）之间最重要的音乐分支。
“节奏布鲁斯”一词被创造后，很快地取代原来的旧字眼——黑人音乐（Race Records）。最初开始流行的R&B风格通常是指“跳跃布鲁斯”（Jump Blues）。它不仅吸收了爵士乐里的摇摆节奏和以号为主的编配方式，而且吸收了布鲁斯里普遍使用的回复段与和声结构。这种风格最重要的先驱也许要算卡布•卡洛维（Cab Calloway）。在“跳跃布鲁斯”中，歌手的声音更加刺耳，节奏更快，乐器的演奏也不一样——钢琴的弹奏力度更大，萨克司的声音更加长而尖锐。在Jump-Blues兴盛过后，Jazz向Be-Bop进化，Jump-Blues则分支成为R&B和摇滚乐。
R&B乐风早期代表性人物是刘易斯•乔丹（Louis Jordan），后期则有雷•查尔斯（Ray Charles）、蕾蒂•毕安卡（Lady Bianca）、孟斐斯号手（The Memphis Horns）和玛丽亚•马尔道（Maria Muldaur）。
(8) Be-Bop或Bop（咆哮乐，或“波普”）
1945年前后，那些早在经济大萧条时被迫转入大乐团的Jazz演奏家们越来越不满足缺乏即兴、编制宏大、着装考究、音响强烈却单调的Swing，他们对此感到了厌倦，于是有些人开始了新的尝试和探索，由此Jazz摆脱了那种承上启下的单一的发展模式，使得Jazz音乐四十多年来发展的历史线条突然断裂，朝向多元化、平等化方向分枝生长。而造成这一结果的，便是Be-Bop（咆哮乐）。
Be-Bop，咆哮乐，也称“波普”（但笔者认为，还是译作“咆哮乐”比较符合它的本质特点），因在Bebop的萌芽初期，乐队无意义练习时常以类似“Be-Bop”（或Bop）的发音收尾结束而得名。这是一种吵杂喧闹的爵士乐，它的特点是“快”，以至于可以快速而自如地驾驭每一个音符的查理•帕克（Charlie Parkeer）得到了个“快鸟”的浑号。初次听到这种音乐的人可能不会认为它是悦耳动听的Jazz。但在咆哮乐的演奏家来看，过多地迎合听众只能使Jazz沦落为肤浅的艺术。和Swing不同的是，Be-Bop中充斥着大量的即兴炫技，娴熟的技巧是这场运动的组成部分。因为Be-Bop音乐家们力图把Jazz从实用主义的伴舞音乐提高到室内乐艺术的层次上。在一开始，他们的音乐遭到了拒绝，而他们也看不起听众，常常背对舞台独奏一曲便匆匆下台，也不管演出是否结束。经过一段时间的孕育，Be-Bop不仅没有如当初乐评家所预言地那样很快没落，相反成为日后众多Jazz风格所借鉴的“经典”。
一般的爵士乐研究者常将这40年代中期到60年代时期，一切有关咆哮乐的音乐形态称为现代爵士乐，但自由爵士乐除外。咆哮乐的开山祖师是查理•帕克（Charlie Parkeer）、迪兹•吉利斯比（Dizzy Gillespie）与西洛尼斯•蒙克（Thelonious Monk）等人，其它如巴德•鲍威尔（Bud Powell）和迪克特•戈登（Dexter Gordon）也是这个时期重要的、具有代表性的乐手。值得一提的是，迪兹•吉利斯比（Dizzy Gillespie）在40年代末期对古巴音乐的尝试，最终导致了拉丁爵士的出现。
(9) Cool Jazz（酷派爵士乐）
在Bop（咆哮乐）快速发展的时候，另一种完全不同的音乐也开始出现，这就是Cool Jazz（酷派）。相对于Bop的“快”而言，酷派爵士乐体现了一种“慢”或“冷”的情绪。酷派表现出一种冷峻细腻的特色，而没有Bop那么强的内在张力，酷派的鼓手也变得更加安静，他们经常用鼓刷演奏，不干扰其他的任何乐器。总而言之，酷派的走的是声音轻盈、轻描淡写、旋律抒情的路子，这正是人们称之为“冷”的原因。
1949年，小号手迈尔斯•戴维斯（Miles Davis）所领导的九重奏乐队为国会（Capitol）唱片公司灌录了一张专辑《Birth of the Cool》，由此宣告了Cool Jazz时代的诞生。它的出现使主流爵士风格瞬间由咆哮乐风（Be-Bop）转向另一个相反的方向——由热到冷。这种180度的大逆转是历史性的里程碑。然而，第一个演奏出酷派爵士乐“前奏”的先驱人物并非迈尔•戴维斯，当1947年，有名的革新爵士乐代言人史坦•肯顿指挥他的管弦乐团灌录一首前卫的、有酷派曲风（非咆哮乐）的作品——《Collaboration》时，当（出身摇摆乐与咆哮乐）钢琴作曲家蓝尼•特利斯塔诺（Lennie Tristano）以一曲《Coolin’off with Ulanov》为酷派爵士乐谱下历史性的“序曲”时，迈尔•戴维斯还只是咆哮天王查理•帕克（Charlie Parkeer）乐队里初出茅卢的新手。蓝尼•特利斯塔诺严谨、抒情及简约的触键手法几乎已碰触到它的核心，然而时机不成熟加上唱片的滞销阻碍了蓝尼•特利斯塔诺向前发展的信心。二年后，这个开天辟地的先机给迈尔•戴维斯抢去了。戴维斯以他清新的小号独奏乐风吹出酷派爵士乐的主施律，由精确成熟的定义，正式向爵士世界宣告“新的声音”已经来临。其它酷派爵士乐代表性乐手是：李•柯尼兹（Lee Konitz）、吉尔•艾文斯（Gil Evans ）、切特•贝克（Chet Baker）和亚提拉•佐勒（Attila Zoller）。
(10) West Coast Jazz（西海岸爵士乐）
顾名思义，西海岸酷派爵士乐运动发生在50年代初期，美国西岸-洛杉机。这个乐风的艺人以白人为主，但也有少有现杰出的黑人乐手，他们的创作灵感最初来自迈尔•戴维斯1949年专辑《Birth of the Cool》，但随后的发展却有别于迈尔•戴维斯的乐风，如：着重精心构思的对位法、流畅灵巧的编曲手法、有较多的颤音、被压抑的情感、常按谱宣科和较少即兴演奏。西岸酷派爵士乐风格的严谨作风、高度专业的演奏技巧，常吸引学院派学生的注意力，唱片的卖座再加上录音配乐工业，有固定与优厚的待遇和工作环境，让这类型乐风的乐手们无后顾之忧，有较多的心思去开拓并实验新的曲风。其代表人物有：查特•贝克（Chet Baker）、杰瑞•莫里根（Gerry Mulligan）、戴夫•布鲁贝克（Dave Brubeck）、巴布•库伯（Bob Cooper）、汉普顿•豪斯（Hampton Hawes）等。
(11) Hard Bop（改良咆哮乐）
像大多数艺术形式一样，爵士乐的发展脉络也是从一个风格逐渐发展到另一个风格，从一个旧流行迈向另一个新流行。50年代中期，当很多人对平淡无力、让人几欲昏昏睡去的酷派爵士乐感到无奈与疲倦时，一股曾经失势、再次卷土重来的爵士势力“改良咆哮乐”正在诞生，由于它的适时出现，不但填补了酷派遗留的音乐空隙，让柔弱无力的爵士世界打了一针强心剂，更为曾被酷派推下主流舞台的咆哮乐，报了一箭之仇，改良咆哮乐算是得到暂时性的胜利。
改良咆哮乐的中文意思是一种激烈、紧张、困难操作的爵士乐风格，改良咆哮乐虽然保留了原来咆哮乐强劲有力的风格，但在旋律以及音调上有了明显的改善，它并不是单纯的即兴，因而更容易被听众接受。虽然它们仍是吵杂的，却没有查理•帕克（Charlie Parkeer）与迪兹•吉利斯比（Dizzy Gillespie）那样多的复杂和声及极端刺耳的高音，Hard Bop有较和谐的音调、较明确易懂的旋律、较易吹奏中音域、较少的即兴独奏与较大的流通量，再者Hard Bop被加入大量的蓝调旋律、福音音乐（Gospel）和声，尤其更强调鼓的节奏脉动（因为很多带头的人物都是鼓手）、打的更大声，更具渲染力及更有层次感，钢琴虽触键较轻，但仍具节奏感，贝斯则弹的更流畅平顺。这一风格的大多来自底特律、费城，因此也称为“东海岸Jazz”。
最开始的代表性乐手和团体是鼓手Art Blakey领导的五重奏团体“爵士信差”（Jazz Messengers ）。50-60年代的改良咆哮乐手底特律有贝瑞•哈里斯（Barry Harries）、汤米•佛莱那根（Tommy Flanagan），费城则有李•摩根（Lee Morgan）、迈克斯•罗西（Max Roach）等人。
(12) Funk（放克）
放克爵士乐是改良咆哮乐的一个分支，“Funk”一词原是黑人低俗的俚语，它暗指女人生殖器。放客（Funk）在70年代和80年代的发展依蓝调悲恸与伸吟色彩，只是乐器似乎转到萨克管上面来，如：戴夫•山朋（Dave Sanborn）、早期的葛罗佛•华盛顿（Grover Washington，Jr.）等人都是次中音风格的高手。
(13) Modal Jazz（调式爵士乐）
调式爵士乐是50年代末期酷派小号手迈尔斯•戴维斯（Miles davis）发展出来的一种以非自然音阶（非和弦，如：采用严谨的古典音乐调式音阶——dorian、phrgaian和西班牙、印度音乐的音阶）为主要创作来源的爵士乐形态，调式爵士乐（Modal）常被误认为与大、小调式（Mode）有关。或许，Modal Jazz翻译成“形成爵士乐”或“音形爵士乐”较不会产生这种混淆。这种创作手法因为比一般以“和弦进程”（Chord Progressions）模式创作容易，常为部分乐手采用，再者，也因它可以较自由的和声诠释，使乐手更容易创造出一种从容、沉思的感觉。第一首知名的调式爵士乐风的曲子是迈尔•戴维斯1958年为哥伦比亚唱片公司灌录的《Milestones》专辑同名曲，此曲以AABBA为形式，A部采用G调dorian调式；B部则基于A调aeolian调式。随着迈尔•戴维斯的脚步，萨克斯风手加农炮•安德烈和约翰•柯川（John Coltrane）进一步更自由创作的调式爵士乐，如：约翰•柯川1960年专辑同名曲《Impressions》。其它重要乐手还有：麦克•布雷克（Michael bracker）和麦考•提那（McCoy Tyner）。
(14) Free Jazz（自由爵士乐）与Avantgarde Jazz（前卫爵士乐）
Free Jazz就是自由爵士乐。简而言之，自由爵士是舍弃在它之前的爵士乐和弦结构，重新建立自己一套松散的、自由的集体即兴演奏方式的音乐形态。它通常不只局限在音调上，而以某一调式去定位多调式即兴演奏的方向，但不是照本宣科，不重复叠句和变化不定的进行速度。如此展现出来的音乐风格常杂夹着人声的哭号、小号或萨克斯管的乐器悲鸣、混乱无序、多向度（Multidirectional）的鼓或贝斯声。
(15) Latin Jazz（拉丁爵士乐）
拉丁爵士乐是融合古巴、波多黎名、南美洲等拉丁语系的舞蹈、打击乐器节奏元素与爵士乐即兴演奏的一种音乐类型。拉丁音乐与爵士乐的结合早在30年代就开始了，但是拉丁爵士真正的盛行则是在60、70年代以后。拉丁爵士的特点是在爵士乐的基础上融入了大量的打击乐器，同时也将复杂的拉丁节奏渗入到爵士乐之中。从乐队形式上看，除了爵士乐原有的乐器之外，像康加鼓、邦戈鼓、沙锤、牛铃等打击乐器成了乐队的重要配置。从节奏形态上看，各种复杂的拉丁节奏（如曼波、探戈、伦巴等）和爵士乐的结合使其呈现出了更加丰富的节奏色彩。其中以兴起于巴西的“芭莎诺瓦”（Bossa Nova）最为典型。
芭莎诺瓦（Bossa Nova）为葡萄牙语，意为“新节奏”的意思，它是曼波（Mambo）音乐与冷爵士（Cool Jazz）融合的结果，同时也吸取了一些桑巴（Samba）音乐的特点。它的音响效果不喧闹，给人的直觉好像是歌手与听众聊天时的窃窃私语。波萨诺瓦的旋律性不强，而且带有很多的变化音，它不像曼波那样仅注重旋律和节奏型，而是强调和声、节奏、旋律的整体效果。其和声语言、旋律展开及织体结构均较曼波复杂与丰富。在音色上突出木吉他清脆的节奏性，并有意削弱了拉美打击乐器（如沙球、响棒等）的色彩，形成了丰富多彩的节奏形态。其代表性乐手和乐团有：康那辛拉丁乐团（Conexion Latina）、杰瑞•龚札雷兹（Jerry Gonzalez &The Fort Apache Bank）、希尔顿•路易兹（Hilton Ruiz）、胡安•吉贝托（Joao Gilberto）和斯坦•盖茨（Stan Getz）。
(16) Soul（灵歌）
20世纪60年代，黑人的自尊被唤醒，公民权利运动和种族观念的进步看上去比幻影更加真实。脱胎于从福音音乐的灵歌（Soul）因其心胸开阔的“善良”，给音乐带来了巨大的影响。这种音乐的本质是来源于美国黑人历史的最深处，是一种追根溯源查找自己心灵的体认。
灵魂乐指望它的听众去寻找爱、为爱而宽恕。热情的艺术家们曾一度试图淡化灵魂歌手和福音传道士的分界线。你几乎可以把灵魂音乐称作是没有宗教的宗教的音乐，当你聆听的时候，就仿佛在参加教堂的布道。由于灵歌的出现正配合了60年代黑人民权和黑人反种族岐视运动的大时代环境，因而被民众广泛接受。然而，灵歌音乐用它所坚持的统一的纯净风格去接近心灵家园，也注定了它要早早地灭绝。1968年4月黑人领袖马丁•路德•金的遇刺身亡。灵歌中许多善良的信念被无情的事实击破，虽然后来出现了富有战斗力精神的灵歌音乐出现了，但灵歌也从此走向消落。
从某种意义上讲，灵歌的诞生应该是1961年所罗门•伯克（Solomon Burke）的歌曲“Just Out Of Reach Of My Two Open Arms（赤手空拳无法得到）”的成功。Soul（灵歌）是南方福音音乐（Gospel）与Blues音乐融合而成的一种形式，演唱时较少演奏乐器。灵歌的特点是坚实的节奏部分配以明确的世俗动感的音乐和宗教音乐。吉它常常让位于管风琴，同时采用一些管乐。然而几乎所有灵魂音乐都以热情、高扬的嗓音作为标志，偶尔也加一些即兴表现。其代表人物有所罗门•伯克（Solomon Burke）、詹姆斯•布朗（James Brown）、威尔逊•皮克特（Wilson Pickett）等。
(17) Jazz Rock（摇滚爵士乐）与Fusion（融合乐）
摇滚爵士乐专指迈尔斯•戴维斯（Miles Davis）在60年代中后期所创作的爵士乐风而言。60年代中后期，以咆哮乐为主体的现代爵士乐舞台虽然还拥用一些追随者，但乐迷已明显流失，当道的自由爵士乐由于难涩难解，且颇具争议性，它的影响力除了欧洲之外，欧奈•柯尔曼的大半美国同乡可不买他的帐。猫王和摇滚乐的新天王披头士正在那里摇头晃脑，抖动双腿，侵蚀爵士乐江山的版图。什么时候最受人欢迎的黑人音乐已经变成灵魂乐（Soul）、电子蓝调音乐或甚至是摇滚了呢？是否真的爵士乐已死？！这些存在当时许多爵士手和乐迷心中的结，终于，在迈尔斯•戴维斯决定以打不过他们就加入他们作为策略，于1969年连续推出2张结合摇滚节奏、电子乐器和爵士乐成功专辑《Ina Silent Way》和《Bitches Brew》后，有了正确答案。
迈尔斯•戴维斯的摇滚爵士乐团体也带出往后在爵士乐坛上失学举足轻重角色的乐手，如：吉他手约翰•麦克劳林（John Mclaughlin）、键盘手契•可立亚（Chick Corea）和萨克斯风手韦恩•萧特（Wayne Shorter）。不久，迈尔•戴维斯的团体瓦解，团员们也各自分道扬镳，如约翰•麦克劳林所组的“Mahavishnu Orchestra”印度风格的乐团，契•可立亚所组的“回到永远（Returnto Forever）”、Joe Zawinul和韦恩•萧特所组的“气象报告（Weather Report）”……都是赫赫有名的融合爵士乐团。70年代，他们的音乐融合了灵魂乐、Funk和拉丁爵士乐，即所谓的“第二波融合爵士乐时代”。其它代表性人物还有菲立浦•凯撒林（Philip Catherine）、比利•柯本（Billy Cobham）、韦纳•克朗茨（Wayne Krantz）、间谍（Spies）乐团、蕾妮•史坦（Leni Stern）。
迈尔斯•戴维斯代表的摇滚爵士乐风之后，就是所谓的“融合爵士乐”（Fusion），也有人将迈尔•戴维斯60年代末的摇滚爵士乐风之后到80年代所有有关此类型的风格称为Jazz-Rock Fusion（摇滚爵士融合乐）。
(18) Post-Modern（后现代咆哮乐）
“后现代”（Post Modern）一词最早出现在70年代中后期的一些文学评论上，它在建筑上的延伸则在指反合理的、理性的、机制的、千篇一律的线条、动脉、造型与色彩的现代主义建筑创作意念。
红帽唱片公司认为：像希西尔•泰勒是开创50-60年代此乐风的先驱者，乔治•葛罗（George Grawe）也将成为80-90年代的新旗手，而约翰•佐恩（John Zorn）更为许多乐迷和乐评家认定是当代的新锐之一。因此“后现代爵士乐”被制造出来。如果听过约翰•佐恩的两张专辑《给露露的消息（News for Lulu）》可对将约翰•恩的风格有更深入的认识。另他在DIW唱片公司所录一系列的《Masada》也深受爱乐者称赞。
(19) Acid Jazz（酸爵士乐）
Acid Jazz一词最早流行于80年代中期英美电台D.J.之间，或许您可拿它与摇滚乐的Acid Rock（迷幻摇滚）作一个比较，或许说它是一种商业现象或行为，比说它是一个自然演化的正规爵士风格来的贴切。因为，这种风格强调聆听唱片，而不是去现场听演奏会。“酸爵士乐”是复兴60年代末到70年代初的放客（Funk）爵士乐，但放进非常多的“灵魂音乐”元素与商业推销色彩在里面，许多黑人乐迷喜欢这类型的爵士乐，其代表性团体是“蓝色博物馆”（Blue zeum），US3及匿名者（Incognito）。
(20) Smooth Jazz（轻柔爵士舞）
“轻柔爵士乐”也是80年代中期发展出来的新爵士风格，它意指结合乐器演奏、流行音乐及轻爵士乐（Light Jazz）的一种音乐类型，它的特质是：在特定的旋律上少即兴演奏。其知名乐手有：艾德•汉弥尔顿（Ed Hamilton）、史提夫•瑞德（Steve Reid）、桑姆•罗泰拉（Thom Rotella）和微风吉他二重奏（La Vienta）。
(21) Hip-Hop Jazz
90年代流行在纽约市爵士舞台的新爵士风格，起初它以黑人音乐为主体，随后在电台D.J.之间流行，这个结合强烈节奏乐风有些特征：专属舞鞋、特定服装、电子乐器声和都市涂鸦，又“Hip-Hop Jazz”被一些爵士乐评家归类为“饶舌歌爵士乐（Rap Jazz）”。这个乐风的知名乐团是：蓝色博物馆（Blue Zeum）。
其实Jazz音乐发展到现在，已经很难准确的区别各种类型了，大家互相借鉴，相互融合。分类并不能说明一切问题，而每个人心中才是最终的答案，重要的是寻找到我们内心对音乐的感受和理解。
[ 本帖最后由 chenyoung 于 2007-12-11 00:07 编辑 ]